DOCUMENTO PARA PRIMERO BLOQUE II

 

EXPRESIÓN, APRECIACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN EN ARTES

ESPECIALIDAD: DANZA FOLKLÓRICA MEXICANA

NOMBRE DEL ALUMNO(A) _____________________________________________________________________GRUPO_______

CONOCE TU CUERPO

      El cuerpo humano es la “maquina” más perfecta creada por la naturaleza, pero posiblemente como siempre la tenemos con nosotros no la valoramos ni conocemos bien, ya que solemos ignorar hasta dónde podemos llegar en el dominio de nuestros movimientos, de su manejo.

      Por eso vamos a conocer mejor nuestro cuerpo, para poder hasta dónde podemos manejarlo con cuidado y preparación. Requerimos de una autoexploración y un recordatorio breve. Sabemos que se compone de cabeza, extremidades superiores, extremidades inferiores y zona pélvica; de seis sistemas conformados por órganos. Te has preguntado en el baile o danza ¿Cuál es la función de cada una de las partes del cuerpo, los sistemas y órganos? Lo veremos  a continuación.

Sistema Esquelético   

Función biológica

·         Protege órganos vitales (las costillas protegen al corazón y los pulmones)

·         Sostiene el peso del cuerpo

·         Proporciona el equilibrio

·         Es el soporte de los músculos

Función en la danza   

    En la danza o baile se debe tomar en cuenta que este sistema proporciona el equilibrio, permite tener toda la amplitud de movimiento con las articulaciones, y cambiar la redistribución del peso del peso del cuerpo de una parte a otra, digamos de la pierna derecha a la izquierda. Permite realizar todos los ejercicios que en la danza y baile se requieren.

Sistema Muscular

Función biológica: Su función es realizar con los sistemas esquelético y nervioso la producción del movimiento.

·         Los músculos son tejidos que se contraen al ser estimulados

·         Los músculos están provistos de nervios, sangre y linfa

·         Producen y mantienen el calor

·         Ayuda a la respiración

·         Dan forma al cuerpo

·         Tenemos 650 músculos

Función en la danza

       Este sistema, preparado técnicamente con los ejercicios adecuados, dará forma estética y armónica a tu cuerpo. Los bailarines de danza clásica o de ballet, de danza moderna y contemporánea, muestran sus cuerpos esbeltos y casi perfectos, especialmente cuando bailan, ya que su indumentaria suele requerir  de mallas o mallones que ayudan a delinear muy bien la belleza física. Pero también en la danza y baile folklórico podemos darnos cuenta de la manera como se desarrolla el cuerpo.

Sistema Nervioso

Función biológica: Está compuesta de dos sistemas interconectados que dependen uno del otro. Su función es la comunicación con los órganos, sentidos y cerebro.

·         El sistema central nervioso controla el proceso voluntario del cuerpo, consta de cerebro y medula espinal.

·         El sistema autónomo nervioso controla la función involuntaria, como los latidos del corazón y los relativos a la digestión, que dependen del cerebro.

Función en la danza

      En la danza y baile  es importantes, ya que en el se incluye la memoria, es indispensable para recordar tal o cual movimiento, los pasos, coreografías, la música, entre otras cosas. En la danza clásica o moderna hay coreografías de cerca de dos horas de duración, como COPELIA O ZAPATA y en nuestra danza folklórica tenemos la fiesta del lunes del cerro, la danza de moros y cristianos.

Sistema Circulatorio

Función biológica:   Su función es llevar alimento y oxigeno a todas las partes del cuerpo. Ayuda a eliminar desperdicios, se compone de:

·         Corazón, centro del sistema circulatorio.

·         Las arterias, que llevan sangre del corazón a los tejidos.

·         Las venas, que llevan sangre de los tejidos a corazón.

Función en la danza

      El corazón regula la emoción, la fatiga. En la danza o baile nos hace sentir lo extraordinario de la interpretación del  personaje, animal o cosa, ya que todos los movimientos que se hacen al bailar necesitan de toda tu emoción para llegar al clímax de lo ejecutado, para comunicarle al espectador todo lo que con palabras no podría decirle. Si esto no se logra se dice que la interpretación fue fría, sin sentimiento. Al oxigenar los músculos se logra una mayor resistencia en la ejecución.

Sistema Respiratorio

Función biológica: Está formado por los conductos nasales, los bronquios y los pulmones. Tienen la función de:

·         Tomar oxigeno del aire y procesarlo.

·         Oxigenar las células.

·         Desechar el bióxido de carbono y vapor de agua.

Función en la danza

     Cuando empiezas a realizar la preparación de tu cuerpo con los ejercicios dancísticos, uno de los principales factores es respirar debidamente. Es importante saber inhalar, exhalar y retener el aire para la ejecución de ejercicios, pasos y cadencias, según la velocidad del movimiento para evitar la fatiga y dolores. Para que no te falte el aire, debes practicar la modulación de tu respiración según el movimiento.

Sistema Digestivo

Función biológica:    Es procesar los alimentos de manera que se aprovechen de la mejor forma para ser utilizados por las células del cuerpo.

Función en la danza

      Al tomar los alimentos que contienen proteínas, carbohidratos, minerales, vitaminas, los selecciona y procesa para mantenernos con salud, esbeltos y fuertes. Por eso es importante el balance alimenticio. Por el tipo de ejercicio y el exceso de sudoración, en la danza se hace necesaria una dieta rica en líquidos y alimentos energéticos, sin descuidar proteínas y minerales. Por lo mismo sugerimos evitar la comida chatarra.         

1er DOCUMENTO PARA TERCERO BLOQUE II

ESCUELA SECUNDARIA TÉCNICA No. 103

EXPRESIÓN, APRECIACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN EN ARTES

 

Coreografía

     El movimiento es un elemento básico de la danza, por lo tanto es necesario conocer de cerca cómo se ejecuta y qué posibilidades ofrece dentro de una danza; para ello existe la coreografía, que es una palabra que se deriva del griego choreia: una danza o coreos: movimientos y graphos: descripción, escritura.

     Podemos decir que la coreografía es el arte de representar y realizar movimientos en un determinado espacio o escenario. En el desarrollo de la danza académica, se considera no solo el hecho de “escribir” los movimientos de los bailarines, si no también el de diseñar y componerlos; es decir, un coreógrafo arregla y organiza secuencias de pasos, inventa movimientos y estilos, sobre todo en la danza clásica, moderna y contemporánea.

1.      Movimiento individual del danzante, los pasos y pisadas que ejecuta; movimientos de tronco, manos, cabeza; las actitudes, formas o posiciones que caracterizan el baile, el faldeo o zapateados.

2.      Movimientos de traslación o desplazamientos de los bailarines en el piso o escenario. Movimiento del conjunto de los danzantes para formar figuras en el escenario. Estos pueden ser individuales o de grupo (círculos, columnas, cruz, diagonales, etc.).  

3.      La notación o registro del movimiento de manera gráfica. Consiste en dibujar los movimientos que se han pensado para que después sean realizados por los danzantes. La notación es la escritura coreográfica.

     Los tipos de coreografía que existen según la organización, distribución y composición de los danzantes en el escenario pueden ser:

     Simétrica. Cuando la disposición de los danzantes en el escenario nos permite trazar un eje de simetría y queda una composición equilibrada, por ejemplo.  

                          

     Asimétrica. Cuando la disposición de los danzantes en el escenario se compone con diversa figuras caprichosas pero cuidando la armonía y el disfrute estético, aquí lo importante no es el equilibrio, sino el efecto visual; se usa en bailes para diferenciar secuencias de pasos o movimientos alternados, por ejemplo.

              

     Tradicional. Dentro de la danza y el baile folclórico existen coreografías definidas ya por tradición, son figuras que se han conservado (o se han modificado poco) con el paso del tiempo. Entre ellas tenemos figuras simétricas principalmente, por ejemplo:

                 

     Creativa. Se refiere a la coreografía que es inventada por un coreógrafo de acuerdo con el tema que quiera representar en una danza. En ocasiones se plasman coreografías derivadas de las tradicionales, con modificaciones y un mayor dinamismo y vistosidad en el movimiento, o como en el tipo de danza académica que es totalmente inventada.

                    

 

                

2do DOCUMENTO PARA TERCERO BLOQUE II

ESCUELA SECUNDARIA TÉCNICA No. 103

EXPRESIÓN, APRECIACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN EN ARTES

 

Escenografía

 

     La escenografía tuvo su origen en Grecia. Sófocles se considera como uno de los primeros  escenógrafos y realizaba pinturas en bastidor en representación del teatro griego.

     Los romanos desarrollaron más escenografías de telón con palacios y paisajes. Incluyeron elementos como escaleras y fachadas según requiriera el argumento de sus obras que fueron: drama, comedia y sátira.

      Los primeros tipos de escenografías utilizados por los pueblos antiguos fueron la escenografía de telón, de bastidor y cuerpos geométricos giratorios y al natural.

     Durante la Edad Media las obras se representaban en atrios de las iglesias o en las naves principales de sus interiores, lo que podría decirse que la escenografía era natural, puesto que la construcción servía de decoración.  

     La palabra escenografía se deriva del griego scenographia y se divide en scene, escena, y graphin, describir, dibujar. Podemos definirla entonces como el arte de dibujar, pintar, moldear, construir o decorar los escenarios.

     La escenografía se apoya en técnicas de las artes plásticas (pintura, escultura y dibujo) y la arquitectura perspectiva, fachadas). Estos elementos ayudan a crear un “ambiente” a las acciones desarrolladas en la representación. Existen diversos tipos de escenografía: 

     De telón: Elaborada en tela o papel pintado, antiguamente se colocaba en la parte de atrás con tales dimensiones que cubría todo ese espacio, se utilizó la perspectiva y se diseñaron paisajes, salones, edificios. En la actualidad elabora con temas estilizados, enormes dibujos con figuras que se relacionan con el argumento de la representación.

 

     De bastidor: Son bastidores pintados en tela y armados o sostenidos en una armazón de madera. Se colocan como muros o se unen varios con diferente diseño para formar un prisma que se rota  para que muestre diferente cara durante la obra.

     De cuchillas: Son figuras decorativas que se cuelgan con hilos imperceptibles para el espectador en diferentes niveles del “cielo” del escenario, se controlan a través de la tramoya que las sostiene. Se elaboran elementos estilizados, naturales (follaje).

     De piso: Elementos decorativos que se colocan estratégicamente en todo el escenario. Se utilizan con materiales resistentes (madera, cartón grueso). Se diseñan plantas de la región, muros, puertas, arboles y crea una dimensión al escenario.

     Natural: Es cuando se incorporan al escenario elementos y objetos reales para decorar y ambientar la acción teatral. Ejemplo son las macetas y plantas, animales pequeños, carretas, follajes, magueyes, paja, etc. También se considera escenografía natural cuando la representación se realiza al aire libre y el “fondo” del escenario se aprovecha como telón. Depende donde se coloque el escenario, atrio de iglesia, paisajes naturales (serranías, edificios, arboles).

     Con efectos especiales: Aquí se aprovecha la aplicación de efectos y artificios electrónicos y de iluminación. Es una muestra de la aplicación de la tecnología al escenario. Se usan reflectores con siluetas que se proyectan en el fondo, sombras, tonalidades de luz, proyección cinematográfica, imágenes de televisión. Casi siempre se complementa con otro tipo de escenografía. En la actualidad se ha desarrollado sin límite por la creatividad de los escenógrafos y la aplicación de la tecnología.        

 

3er DOCUMENTO PARA SEGUNDOBLOQUE II

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EXPRESIÓN, APRECIACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN EN ARTES

Danza Contemporánea

     Como ya mencionamos nada queda estático, todo evoluciona alrededor nuestro. Los cambios en la ciencia, la tecnología y el devenir histórico propician esta constante transformación, y la danza no es la excepción.

     Con las propuestas de trabajo, investigaciones, investigaciones de los cuatro “monstros”, abren un capitulo en la historia de la danza y sus alumnos van a seguir con este proceso de cambio.

     En la danza moderna se buscó la libertad de movimiento y de expresión, pero aun existe un tema y un escenario específico.

     Con la danza contemporánea se busca la libertad de movimiento pero, también de tema, es decir, no hay rigor en el tema específico que se representa. La improvisación de la coreografía va acompañada de experimentos visuales-musicales, de música electrónica, cinematógrafo, electroacústica; es la tecnologización del escenario.

     Esto surge principalmente en las grandes urbes, el maestro Alberto Dallal, experto conocedor de estos temas, la llama la danza de concierto y danza popular urbana.

     La primera, porque es la tecnologización del escenario y la segunda, porque este tipo de danza busca otros escenarios; vestíbulos de edificios públicos, galerías de arte, azoteas, aeropuertos, gimnasios, museos, calles, parques, jardines y plazas.

     El público ya no es considerado como simple espectador pasivo observador, ya es más activo e incluso en algunas obras interviene.

     Esta evolución se da con artistas como Merce Cunningham, que se inicia con Martha Graham. Esta artista busca además la espontaneidad, la sorpresa, el regocijo y provocar en el espectador los diversos estados de ánimo del ejecutante.

     Algunos estudiosos de la danza siguen disertando sobre sobre si el empleo de “contemporáneo” es el término adecuado o no, ya que significa lo actual. Y entonces se preguntan: ¿Cómo podrá llamarse a la danza teatral de concierto en el futuro?.

     Por lo pronto mundialmente está reconocida como danza contemporánea y constituye una nueva forma dancística.

     En la danza contemporánea lo más importante es la espontaneidad, la improvisación y la creatividad.

     La técnica de la danza contemporánea es la fusión de destreza física, un estilo a través de formas determinadas y propuestas de movimientos personales para obtener mayor expresividad. Fluye la exactitud dramática y se alimenta de diferente técnicas como algunos estilos de danza española, clásica, modernas y la actitud dramática. Se utilizan movimientos originales que trasmiten la emoción interna del bailarín. La suma de todos estos elementos dan como resultado intensidad en la interpretación escénica. La versatilidad es otro elemento en la composición o en el diseño corporal, y en los pasos, la técnica contemporánea muestra con el movimiento que lo caracteriza, una secuencia lógica del cuerpo; cuando éste obedece a la naturalidad de la expresión se ejercita la correcta posición del cuerpo, el equilibrio acondiciona la elasticidad, la utilización del piso para los movimientos que ello requiera y domina el eje central del esquema corporal como fuente de energía.

     La práctica se empieza a llevar a cabo casi al año de entrenamiento constante, y donde los alumnos empiezan a experimentar inventando sus propios movimientos que desarrollan de la naturaleza o de temas subjetivos a los que ellos van dando forma de un lenguaje más universal y rompiendo con lo establecido para dar mayor énfasis a los valores que tiene el género humano; la danza contemporánea como acción nos plantea una relación profunda del hombre con el todo.

    La coreografía se realiza con mayor libertad ya que muchas veces los coreógrafos ocupan música, sonidos, ruidos, un solo instrumento musical, percusiones o en el mayor silencio, también se ocupa la música electrónica, moderna o clásica como la de Bach, Mozart y Beethoven; algunas veces siguen algún tema determinado, o es la improvisación natural del movimiento siguiendo el tema musical espontáneo.                         

 

2do DOCUMENTO PARA SEGUNDO BLOQUE II

 

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EXPRESIÓN, APRECIACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN EN ARTES

La Danza Moderna

     Con el trascurrir del tiempo todo evoluciona y cambia. Se busca otras formas de relación y comunicación. La danza como lenguaje entre los hombres, en su crecimiento hace lo mismo, ya que debe responder a las formas de vida de cada época y lugar.

     A fines del siglo XIX, se obliga este cambio este cambio en la danza por el desarrollo tecnológico e industrial de la sociedad. Se hacen cuestionamientos sobre la danza clásica, el ballet, por los temas y formas dancísticas que ya, para entonces, habían caído en un rigor técnico.

    En la búsqueda de esos cambios surge Isadora Duncan, norteamericana quien propone movimientos y ritmos naturales sin el rigor de la técnica, sin el uso de zapatillas de punta, ya que de ellas menciona “son verdaderos instrumentos de tortura.”

     Con los pies descalzos y de regreso al naturalismo esta gran artista utilizó el cuerpo de manera plástica, inspirándose en posiciones actitudes y gestos del arte griego, que admiraba en su arquitectura y cerámica  dándole a la danza siempre un principio dinámico de extensión-relajamiento y libertad total para la creación del movimiento.

     Isadora Duncan fundo escuelas en Berlín, en París y en Moscú.

     En Alemania a pesar de la guerra y el nazismo surgieron figuras como Rudolf von Laban y Mary Wingman, que se desarrollaron en estados unidos.

     Mary Wingman trabajó con la danza sin música, o acompañada únicamente con instrumentos de percusión, la tensión-relajamiento y la expresión a través del cuerpo. Para ella fue muy importante el espacio para crear coreografías.

     Otra aportación es la que hace Ruth St. Denis. Se inició como actriz, y en la danza le dio mucha importancia a los recursos teatrales. En sus representaciones intervienen el misticismo, la contemplación, la religiosidad y la rareza. En ellas muestra interés por la cultura, la filosofía y las danza orientales.

     Un poco después Doris Humphrey y Martha Graham  en estados unidos hicieron sus aportaciones a la danza moderna. Se basaron en un grupo de movimientos naturales.

     Doris Humphrey dirigió especialmente su atención a la composición para conjuntos de bailarines. Utilizo zumbidos, tarareos y gritos expresivos acompañando a la danza moderna.

     Con esta base musical buscaba que se tuviera mayor creatividad con un máximo de libertad.

     Martha Graham incorporó movimientos de occidentes a la danza moderna arrodillarse, ponerse en cuclillas, desplomarse, etcétera, que ahora ya es común para nosotros. Empleo escenarios móviles, decoración fragmentaria y parlamentos unidos a la danza y el baile. En ella todo entra en juego, los ojos, el pelo, y el vestuario. Su escuela de Nueva York es famosa mundialmente pues de ella han egresado famosos artistas y maestros de danza de diferentes universidades.

     En 1915 Ruth ST. Denis y Ted Shawin organizaron la escuela Denishawn en los Angeles y en ella integran además recursos de la danza española e indoamericana.

     Como podrás darte cuenta, con sus variantes e influencias la danza moderna tiene como base los movimientos naturales, estilizados, personalizados o distorsionados que cada ejecutante pueda desarrollar, siempre con libertad y creatividad.

     La coreografía es más libre en el movimiento, ya que el cuerpo tiene mayor libertad de expresar todo lo que quiere, también aquí se ocupan líneas, cruses, saltos, cambios, giros, etcétera. Los movimientos son amplificados, los papeles principales o de conjunto son interpretados de diferentes maneras, con distintos tipos de movimiento; se mueven al unísono pero sin formar diseños específicos como en el ballet, esto les permite utilizar en su totalidad el cuerpo para expresar sus interpretaciones.              

 

1er DOCUMENTO PARA SEGUNDO BLOQUE II

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EXPRESIÓN, APRECIACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN EN ARTES

 

DANZA CLÁSICA

     La danza clásica tiene su origen en los bailes cortesanos de salón en Europa. Estos bailes trataban de dividir o entretener a la nobleza con prácticas dancísticas sencillas y accesibles. En el renacimiento se dio impulso a la danza, que se volvió cada vez más compleja hasta exigir la presencia de maestros para poderla realizar.

      Esto también propició el cambio de espacios para su ejecución. En los bailes de salón se realizaban las danzas y bailes entre los espectadores, sin un espacio especifico, pero terminaron por llevarse a cabo frente al público. Al establecerse la diferencia se redujo el espacio y el danzante se enfocó al desarrollo de los pasos y la composición coreográfica, es decir, al reparto en el espacio organizado, en donde se procuró fantasía y libertad.

     Esta situación dio lugar a un nuevo espectáculo escénico, y con ello a establecimientos de escuelas y academias, a las que debía acudir cualquiera que aspirara a ser bailarín, para aprender sus reglas, asimilar sus actitudes, familiarizarse con su repertorio. A ellas acudían jóvenes nobles y algunos monarcas inquietos.

     El primer método que se conoce de la danza fue escrito por Robert Copland y fue escrito en el año de 1521. Posteriormente, en el año de 1581, el maestro Fabritio Caroso Dasermaneta escribe el libro llamado “el bailarín”, que también contribuyo en la enseñanza de esta manifestación artística.

Luis XIV, el Rey Sol, fue quien dio gran impulso al ballet y apoyó la fundación de la academia de la danza; fue un hábil practicante de danzas y bailes, quien daba su apoyo “con fines de corregir y refinar una de las artes más honestas y necesarias”. La última presentación en público fue el 18 de enero de 1668.       

     Al morir el Rey Sol, el ballet perdió un poco de vida, pero volvió a revitalizarse con las personas que se dedicaban a él: los profesionales de la danza, quienes elaboraban las reglas y enriquecían la técnica (posiciones básicas) y vocabulario, lo que le permitió al ballet adueñarse de los escenarios enamorando al público. Esto obligó a buscar otras alternativas en su desarrollo con los decorados (escenografía) y empleo de luces, como hemos señalado antes.

     Durante muchas horas los alumnos en las escuelas practican, repiten, memorizan la técnica del ejercicio; en los grados superiores los movimientos van siendo más difíciles y las diversas combinaciones técnica mucho más complicadas para empezar a preparar pequeños fragmentos de algunos ballets; ya en el último grado es más complejo el movimiento y se debe armonizar la expresión escénica con el virtuosismo para ir preparando la actuación de los solistas, tríos, cuartetas y conjuntos en general; esta práctica servirá para tener actos enteros de ballets, los bailarines transmitirán los vivos sentimientos de cada uno de lo personaje que interpretan plasmando la comunicación del teatro para lograr el último objetivo de la práctica de la técnica para su mejor actuación.

     Las clases de danza clásica o ballet se imparten en salones grandes y luminosos, en una de sus cuatro paredes debe haber un enorme espejo para poder observar el trabajo técnico, ir corrigiendo los errores, y tratando de perfeccionar los movimientos; en casi todas las paredes hay una barra redonda de madera sostenida de la pared que sirve de soporte a los alumno.   

     Los diseños y trayectorias del movimiento que son creados o inspirados por los coreógrafos para darle más realce al trabajo escénico se dibujan con el cuerpo haciendo una gran variedad  de líneas, círculos, saltos, deslizados, punteados, etc. cuando ya la coreografía es para un argumento de un ballet tiene un diseño especial mediante el dibujo detallado los matices y la combinaciones que ejecutarán los solistas o parejas y conjunto de bailarines; hay grandes coreografías que se tienen desde el siglo XVII y que se realizan con todo el esplendor artístico para dar el ambiente de lo que se representa.